Für die alten Griechen umfasste der Kunstbegriff jede Form schöpferischer Tätigkeit, die zu ihrer kulturellen Entwicklung beitrug. Wir, die wir das Glück haben, in diesem Teil der Welt geboren zu sein, können bei jedem Schritt das künstlerische Erbe Athens sehen. Wohin wir auch blicken, sind Spuren von Architektur zu sehen, die kopiert, aber nie übertroffen wurde. In Museen auf der ganzen Welt können wir außergewöhnliche Beispiele von Skulpturen sehen, die Figuren voller Leben, Schönheit und Harmonie in kalten Marmor gezeichnet haben. Nichts ist vielleicht eine einzigartigere Errungenschaft Athens als die attische Keramik, die uns in ihrem Streben nach schöpferischer Perfektion durch lebendige Ornamente von der Lebensweise der Menschen, ihrer Verehrung der Götter und ihren Freuden und Sorgen erzählt. . Das attische Land hat immer einen reichen Ton für das Töpferhandwerk geliefert, sei es für häusliche, religiöse oder andere Zwecke. Mit diesem Material experimentierten, schufen und erlangten bekannte und anonyme Athener Künstler – Töpfer und Maler – Unsterblichkeit.
Eine der ersten in den attischen Werkstätten hergestellten Keramiken ist die berühmte große Amphore (1,75 m hoch) aus dem Dipylon-Tor, die heute im Archäologischen Museum ausgestellt ist. Es wurde in der Nekropole von Keramikos gefunden, nachdem es das Grab eines angesehenen Bürgers des 8. Jahrhunderts v. Chr. Geschmückt hatte. Die dargestellte Szene lässt keinen Zweifel an seiner Verwendung als Grabstein. Seine Form ist einfach, ohne Prunk; Es hat eine schmale Basis und einen verlängerten Hals, was auf einen kühnen Töpfer hinweist, der keine Angst vor einer so sperrigen Größe hatte. Die Dekoration besteht aus aufeinanderfolgenden Reihen von geraden Linien und unruhigen griechischen Motiven, während in der Mitte der Trauerzug mit dem Körper auf einer Kutsche steht, umgeben von trauernden Verwandten und professionellen Trauernden, die sich die Haare ausreißen; kleine Vögel füllen die Räume. Die Szene beschwört kretische und maniotische Begräbnislieder herauf, zeitlose Ausdrucksformen des Todesschmerzes. Das Werk als Ganzes – sowohl die Vase als auch ihre Dekoration – ist charakteristisch für die Strenge der Zeit, in der sich geometrische Symbole dem Transzendenten nähern.
Etwa zur gleichen Zeit begann in Korinth und im benachbarten Sikyon eine ganz andere Art von Keramik hergestellt zu werden, die aus kleinen runden Töpfen mit reich bemalten Ziergürteln bestand, die Tiere aus asiatischen Ländern darstellten. Greifen, Sphinxe und Löwen deuteten auf den Handel zwischen Korinth und den Häfen des Ostens hin. Keramik der gleichen Art wurde in Milos und Rhodos hergestellt, anderen bekannten Handelszentren der alten Ägäis. Es waren jedoch die Korinther, die zuerst die Schwarzfigurentechnik verwendeten, indem sie die Umrisse von Formen auf die Oberfläche des Topfes einritzten und diese Formen dann schwarz malten.
Zu Beginn der produktivsten Zeit Athens brachten Solon und seine Gesetze viele fähige Töpfer dazu, Werke für eine sichere Klientel herzustellen. Gleichzeitig begannen die Handwerker selbst, auf künstlerische Anforderungen zu reagieren, indem sie neue Formen und Größen mit einer entsprechenden Entwicklung der Dekoration schufen. Die starren und unflexiblen Figuren der geometrischen Graburne erhalten nach und nach eine Bewegungselastizität. Die Künstler ließen sich zunächst von Reliefskulpturen inspirieren und schöpften ihre Motive aus den unerschöpflichen Themen der Mythologie. Und während die bahnbrechenden Korinther ihrer Arbeit durch die Bemalung exotischer Dekorationsfiguren eine orientalische Note gaben, wurde die athenische Kunst narrativ. Seine schwarzen Figuren offenbarten die Leidenschaften von Göttern und Helden sowie die Beschäftigungen der einfachen Menschen: ihre Arbeit, ihre Zeremonien und ihre Schwächen. Zunächst bewegten sich die Szenen horizontal, ähnlich wie die korinthischen Töpfe, die ihre Vorbilder waren, obwohl die athenischen Werke viel größer waren. Die Ritzverzierung ließ die natürliche Farbe des Tons durchscheinen, und nur die Gesichter und unbedeckten Körperteile wurden weiß über die weiblichen Formen gemalt. Sehr oft fügten die Künstler die Namen der abgebildeten Charaktere in archaischer Schrift hinzu.
Ab dem 6. Jahrhundert hörten die Handwerker auf, anonym zu sein und begannen, ihre Werke zu signieren. Das erste signierte Keramikstück, das wir haben, ist das eines Mannes namens Sophilos. Dieses unschätzbare Fragment wurde auf 570 v. Chr. datiert. Es ist derselbe Handwerker, der uns eine signierte Szene der Bestattungsspiele hinterlassen hat, die zu Ehren des außerhalb der Mauern von Troja getöteten Patroklos organisiert wurden, wo die Zuschauer auf einer zweistufigen Plattform sitzend dargestellt werden: die erste Plattform, die wir in der Geschichte der gestuftes Theater.
Das goldene Zeitalter der schwarzfigurigen Vasen war 550-500 v. Aus dieser Zeit stammt die heute in Florenz ausgestellte berühmte Vase des Franziskus, auf der der Töpfer Ergotimos und der Maler Kleitias stolz ihre Unterschriften angebracht haben. Den beiden Künstlern ist es gelungen, 250 animierte Figuren von Menschen und Tieren in fünf parallelen Reihen auf einer Vase mit einer Gesamthöhe von nur 66 cm darzustellen. Dieser Fortschritt machte attische Gefäße im gesamten Mittelmeerraum begehrt und veranlasste Kolonisten in Süditalien und Sizilien, ihre eigenen Werkstätten zu gründen, von denen sie viele Beispiele ihrer unvergleichlichen Handwerkskunst hinterließen. Museumsvitrinen sind voller Vasen, die Götter, unverschämte Satyrn, betrunkene und verliebte Sterbliche, hartherzige Päderasten und edle Pferde darstellen, die bereit sind, die Streitwagen der Helden zu ziehen.
Exekias, vielleicht der größte Töpfermaler seiner Zeit, lebte um 530 v. Er war der erste, der es wagte, die Außenseite seiner Tassen mit zwei großen Augen abergläubischer Herkunft zu schmücken. Das prächtigste Beispiel seiner Kunst ist der Münchner Kylix, dessen Inneres Dionysos zeigt, wie er rücksichtslos in seinem Schiff segelt und Piraten, die ihm Schaden zufügen wollten, in Delfine verwandelt. Eine üppige Weinrebe entspringt dem Mast und die Trauben werfen ihre Schatten auf das wogende Segel. Diese Reise auf traumhaft rotem Grund ist der Auftakt zu einer neuen Form der Keramikmalerei mit roten Figuren.
Diese neue Technik war genau das Gegenteil der vorherigen, da hier die gesamte Oberfläche der Vase schwarz bemalt wurde, mit Ausnahme der zuvor gezeichneten Figuren, die die warme Ziegelfarbe der Terrakotta beibehielten. Die Künstler ritzen die Zeichnung nicht mehr ein, sondern verwenden Pinsel, um die Details des Kleides und der aufwändigen Frisur mit sicheren Linien wiederzugeben. Frauen werden nicht mehr in Weiß präsentiert. Vielmehr waren die männlichen und weiblichen Formen häufig mit einer rötlichen Glasur überzogen, die etwas von der inneren Hitze des menschlichen Körpers widerspiegelte.
Der Erfinder der rotfigurigen Technik gilt als sogenannter Andokides, auch wenn er selbst seine Vasen oft altmodisch verzierte. Die Übergangszeit findet sich in seinen sogenannten „zweisprachigen“ Vasen, auf denen die gleiche Szene mit roten Figuren auf der einen und schwarzen auf der anderen Seite dargestellt wurde. Es wurden Tassen mit schwarzen Zahlen auf der Innenseite und roten auf der Außenseite gefunden. Dann tauchten einige Unterschiede in den Funktionsdetails auf. Zum Beispiel wurden auf schwarzer Keramik Männer mit runden Augen dargestellt, während Frauen immer längliche Augen hatten; Bei der rotfigurigen Technik hingegen hatten sowohl Männer als auch Frauen die gleichen mandelförmigen Augen mit dicken Wimpern. Gleichzeitig entfernen sich die Künstler vom starren archaischen Relief, das die Dinge im Profil zeigt. Die Auseinandersetzung des Künstlers mit den Ganzfiguren war deutlich in der Darstellung von Figuren zu erkennen, die dem Betrachter zugewandt zu sein schienen. Betrachtet man zum Beispiel den Marmorknaben von Kritias im Akropolismuseum und eine jugendliche Figur auf einer Tonscherbe, so kann man genau dieselbe stolze Haltung des Körpers feststellen.
Der zunehmende Realismus der Skulptur konnte nicht umhin, die Keramik zu beeinflussen, so dass auch die gemalte Dekoration an Bewegung und Lebendigkeit gewann. Es wurden Szenen des gewöhnlichen Lebens gezeigt, die manchmal an Spott grenzten. Die Maler waren unerbittlich in ihrer Darstellung älterer Menschen und zeigten alle Falten und Hässlichkeiten des Alters. Die unförmigen Satyrn gaben Künstlern die Möglichkeit, ihre Kunstfertigkeit zu zeigen und gleichzeitig für Heiterkeit zu sorgen. In München steht eine charakteristische Tasse, in der der Maler Epileios einen äußerst hässlichen Satyr mit dem unglaubwürdigen Namen Terpon (Freude) zeigt, der vor einem vollen Weinschlauch die Worte „süßer Wein“ ausruft. An anderer Stelle wurden explizit erotische Szenen gezeichnet, in denen Gesichtsausdrücke ebenso grafisch wie Bewegungen dargestellt wurden. Manchmal werden mehrfigurige Kompositionen zu narrativen Zwecken auf verschiedenen Ebenen präsentiert. Die Inschriften tauchten im Laufe der Zeit und der Entwicklung der Kunst immer seltener auf.
Ein wunderbares Beispiel einer rotfigurigen Vase aus dem Jahr 500 v. J.-C. ist die Kylix von Sosias in Berlin. Es zeigt einen Moment im Trojanischen Krieg, in dem Achilles sich um die Wunde von Patroklos kümmert. Die Szenerie ist plastisch inszeniert: So werden die Haardetails der Helden durch winzige Linien unterstrichen und ihre schuppige Rüstung erscheint reliefartig. Erstmals sind die Augen im Profil gezeichnet, genau so, wie wir sie in Wirklichkeit sehen. Patroklos ist mit offenem Mund dargestellt und beißt die Zähne gegen den Schmerz seiner Wunde zusammen, die Achilles mit einem weißen Tuch verbunden hat. Die linke Hand von Achilles und der verletzte rechte Fuß mit der knochigen Zehe zeigen eine hervorragende Technik.
Die Möglichkeiten, die sich dem Künstler durch das Malen auf rotfiguriger Keramik boten, verdrängten vollständig die alte schwarzfigurige Technik, die bis ins 4. Jahrhundert ausschließlich in der Dekoration athenischer Keramik vorherrschte. Amphoren waren, wie ihr Name im Griechischen schon sagt, Behälter mit zwei Griffen zum einfachen Transport. In diesen Amphoren schickten die Athener Öl, Wein, Nüsse und Hülsenfrüchte in die ganze bekannte Welt. Mit der Entstehung der Panathenaia wurde es Brauch, Amphoren voller Öl von den heiligen Olivenbäumen der Göttin Athene an die Gewinner von Wettbewerben zu verschenken. Die Höhe dieser Behälter betrug etwa 70 cm und ihre Form war mehr oder weniger rund, immer mit einem kleinen runden Boden und einem Tonpfropfen zum Schutz des Inhalts. Oft war der Hals der Vase mit Hymnen verziert. Auf den panathenäischen Amphoren war immer auf der einen Seite die Darstellung der bewaffneten Athene und auf der anderen Seite der Wettbewerb, in dem sich der Sieger hervorgetan hatte.
Von der Entwicklung der Malerei als solcher haben wir keine andere Kenntnis als die uns überlieferten Schriften. Aus diesen leiten wir Beschreibungen der Werke von Apellis und Polygnotos ab, aber nur sehr wenige andere. Deshalb ist Keramikmalerei so wertvoll. Der sogenannte reiche Orden der Kunst des 5. Jahrhunderts mit seiner luxuriösen Kleidung, seinen Farben und seinem Goldschmuck ist sehr bezeichnend für eine komfortable Gesellschaft. Ebenso beredt sind die attischen Lekythos.
Die weißen Lekythos waren eine andere Art von Keramikwaren in der Polis, aber mit begrenzter Verwendung. Diese Gefäße enthielten meist aromatische Öle für die Totenzubereitung. Nach dem Trauerzug und der Einäscherung wurden sie entweder im Grab oder auf den Stufen des Grabdenkmals beigesetzt. Die gesamte Oberfläche dieses speziellen Behälters wurde mit einer cremefarbenen Farbe bedeckt, auf der Figuren frei gezeichnet wurden. Normalerweise wurde die verstorbene Person dargestellt, wie sie Begräbnisgeschenke von Angehörigen oder einer anderen todesbezogenen Szene erhielt. Der weiße Hintergrund dieser Vasen förderte die Verwendung von Farben auf den Figuren und insbesondere auf der Kleidung. Schwarzes oder blondes Haar konnte hervorragend wiedergegeben werden, ebenso wie die Gesichtsausdrücke von Trauernden, die zeigten, wie Sterbliche den Willen der allmächtigen Götter mit edlem Schmerz akzeptierten. Darstellungen auf attischen weißen Lekythen waren die Vorläufer der großartigen Wandmalereien auf mazedonischen Gräbern, die das Land des hellenischen Nordens nur allmählich aufgab.
[ad_2]Source by Fanis Piperis